Beauté, harmonie et possibilités du corps sont exposées dans « Danser sa vie » au Centre Pompidou. Histoire des liens entre Art et Danse, c’est bien la vitalité d’un corps humain, vivant, multiple, contraint ou libéré qui nous est offerte. Glaise universelle, le corps est objet de l’art comme pour nous rappeler qu’à l’origine de tous gestes de l’homme est le corps.

« Adepte » du néon et des bandes adhésives, François Morellet appartient à la tendance de l’abstraction géométrique inspirée des travaux de Theo Van Doesburg.

Mais dès les années 1960, Morellet délaisse la peinture pour se tourner vers une forme nouvelle d’expression : l’installation. C’est cette partie de l’œuvre de l’artiste que le Centre Pompidou nous propose de découvrir grâce à l’exposition « réinstallations ». Le public y est invité à s’exprimer.

Cette exposition, vide de tout message, propose une exploration ludique et subjective de la structuration visuelle de l’espace.

Le mouvement hollandais d’avant-gardes « De Stilj » se forme dans les années 1920. Mouvement crucial dans l’émergence du Modernisme, il théorise et formalise l’abstraction dans la peinture, l’architecture et le mobilier. On lui doit les principes de « l’harmonie universelle » figurée par l’utilisation exclusive des lignes droites et des couleurs primaires.

Initiative artistique de Theo Van Doesburg, Piet Mondrian en sera le principal représentant grâce à ses œuvres réalisées autour de 1920 dans lesquelles il pose les fondements du Néoplasticisme.

A découvrir en ce moment au Centre Pompidou.

La puissante galerie Gagosian trouve sa place à Paris. Rue Ponthieu, deux espaces se partagent les rôles : le rez-de-chaussée accueille la présentation des artistes (actuellement Cy Twombly) tandis que le premier étage est consacré aux expositions temporaires (Jean Prouvé y est mis à l’honneur avec le soutien de la Galerie Patrick Seguin). Un lieu à découvrir.

Chez cet artiste italien, du minéral est placé à l’intérieur de fruits desséchés ou à l’embouchure de trous muraux comme pour nous inviter à pénétrer les objets, à les découvrir de l’intérieur.

Casini utilise ainsi la pérennité du cristal pour souligner que chaque chose recèle au plus profond d’elle même une once d’éternité.

Cristallisation de l’être sur le devenir, l’artiste nous donne à voir l’âme des choses en les enfermant dans les reflets du minéral.

Mais Opalka démontre avant tout que le temps n’existe que par l’homme. En ce sens, il ne représente pas le temps mais le fait exister. L’acte de création est double : les œuvres présentées créent une réalité au-delà de leur existence. Démiurge, Opalka nous donne à voir le temps.

Le dernier étage du MOMA propose une rétrospective des œuvres de Marina Abramovic dont certaines performances sont « rejouées » par des acteurs. Mise en scène assumée, cette démarche exhume les performances de leur contexte spatio-temporel originel et provoque le visiteur. Plus bas dans l’atrium, l’artiste serbe pose en « live » assise face à un étranger pris au hasard dans le public. Ici, les performances sont des spectacles.

2009 a marqué l’année des rétrospectives sur le Bauhaus. De Berlin à New-York, les plus grands musées du monde ont rendu hommage à cette école, devenue icône et symbole du « modernisme ».

Le temps était venu de faire un bilan sur cette période de l’histoire. Quels étaient les héritages du modernisme ? Qu’était devenue l’esthétique moderne ? Quelle place occupe-t-elle dans la création contemporaine ?

Un rapide coup d’œil sur les catalogues des salles de ventes et des galeries de mobilier nous montrait clairement que la modernité était devenue le nouveau chic, le nouveau « bon goût ». Pas un magazine de mode ou de décoration sans ses visuels « modernistes », son reportage sur les architectures d’Oscar Niemeyer ou son texte inspiré des manifestes de l’époque. Bref, la modernité avait et a toujours la cote.

Mais si les collectionneurs et autres gens branchés se complaisent dans une consommation nostalgique de la modernité, il semblerait que les artistes contemporains entretiennent eux, un lien plus ambigu avec celle-ci.

Ne pouvant plus se revendiquer post-modernes du fait de la trop grande proximité temporelle de ce mouvement, certains revisitent (et revendiquent) la modernité. L’utilisation d’images « modernes » dans la constitution d’œuvres est remarquable au point de devoir cataloguer certains artistes comme « néo-modernes ».

En décembre 2009, Wilfrid Almendra propose l’exposition « Killed in action » (Case Study Houses) à la galerie Bugada & Cargnel. Partant des plans de dix projets avortés du fameux programme architectural américain des années 50, l’artiste y exposait des sculptures reprenant les formes brillamment abstraites de la modernité, questionnant ainsi le modernisme dans son action historique mais aussi dans son devenir. Profondément nostalgique, cette exposition empruntait à la modernité son esthétique et son message sans pour autant en proposer une vision contemporaine. Néo-moderne oui, mais nostalgique avant tout.

A contrario, se déroule actuellement à la Galerie Gagosian de New-York la première grande exposition de Tatina Trouvé sur le sol américain. Au-delà du propos, l’esthétique de ses œuvres est « moderniste » c’est-à-dire minimaliste et formelle. Elle interroge l’espace par des sculptures, des dessins et des installations in situ rendant son travail post-moderne « car » transdisciplinaire. Tatiana serait ainsi une artiste néo-moderne qui emprunte à l’esthétique moderne sans pour autant renier l’époque postmoderne et les « codes » de la création contemporaine. La véritable continuité du modernisme se trouverait donc dans cette approche à la fois citationnelle et contemporaine, productrice d’une nouvelle forme d’abstraction et non dans une logique faussement nostalgique reprenant des codes établis devenus « classiques » voire bourgeois.